Próxima edição!!!

A sexta edição do Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha já tem data prevista para sua realização: MAIO de 2019. 

Mas, até lá, muitas novidades ainda serão divulgadas, para que o nosso Festival se solidifique ainda mais e entre definitivamente para o calendário de eventos do país!

Aguarde!!!

Crítica: Um, Dois, Três: Alice!

Um, Dois, Três: Alice! - foto SeCom Itajaí

UM, DOIS, TRÊS: ALICE! - DO JOGO À LINGUAGEM POÉTICA 

por Marco Vasques

A Téspis Cia de Teatro é uma das mais profícuas e longevas companhias de teatro catarinense. Estão na estrada desde 1993 e conseguiram produzir uma linguagem muito própria. Inicialmente, a Téspis começou trabalhando com adaptações de textos clássicos, o que atendia suas necessidades e investigações cênicas e, em 2009, começou também a trabalhar com dramaturgias próprias. Tanto o movimento de adaptações quanto o de criar sua própria dramaturgia fortaleceram ainda mais a companhia. Seus espetáculos transitam entre o teatro lúdico e poético dedicado ao público infanto-juvenil, até a um teatro mais experimental e existencial. A companhia vê o teatro como uma forma de entender o mundo e entender-se no mundo. Assim, ao longo desses 24 anos, a Téspis mantém-se firme na busca por esse entendimento.

Lewis Carroll, de onde vem a inspiração para o espetáculo Um, Dois, Três: Alice!, viveu entre 1832 e 1898. Nos 66 anos de sua vida ele foi romancista, contista, fabulista, poeta, desenhista, fotógrafo, matemático, professor e reverendo anglicano. As múltiplas funções não o impediram de escrever uma das obras mais icônicas da literatura mundial: Alice no país das maravilhas. Trata-se de um mundo gigantesco de fantasia, cor, nonsense, que se desdobra em muitas leituras possíveis e que devido às inúmeras adaptações, sobretudo para o cinema, ainda vive no imaginário popular e erudito. Foi lida por gente antagônica como Oscar Wilde e Rainha Vitória. Alice no país das maravilhas ganhou o mundo, mas sua obra-irmã, Alice através do espelho, em que a personagem se vê diante de um espelho mágico em uma festa e o atravessa para, novamente, adentrar seu mundo das maravilhas é menos conhecida, lida e difundida.

O espetáculo Um, Dois, Três: Alice!, que a Téspis apresentou no Teatro do Sesc, durante do 5° Festiva Brasileiro de Teatro Toni Cunha, é um mergulho livre nestas duas obras. Uma das primeiras coisas a se ressaltar em Um, Dois, Três: Alice! é o cuidado e o respeito ao universo infantil. Dito assim, pode parecer pouco, mas é muito, sobretudo, porque o teatro feito para crianças, não raro, tende a idiotizar e pasteurizar o riquíssimo universo da criança. Todos fomos crianças - ou temos uma ao nosso redor - e sabemos muito bem que o jogo, o feérico, a capacidade de ver o mundo sob perspectiva não contaminada pela razão e o encontro com as coisas de forma desinteressada são característica que, quando crianças, aguçam nossas sentidos, curiosidades e olhares.

Ao explorar quatro camadas bem definidas: música, imagem, gesto e palavra, o espetáculo leva em consideração justamente esse jogo com os sentidos, com a curiosidade e com a construção de novas miradas, outras moradas. Para cada um desses elementos citados encontramos uma partitura específica, mas que recebe um tratamento dramatúrgico preciso e equilibrado.

A opção por reduzir ao máximo o campo verbal e ampliar os recursos lúdicos por meio de imagens e da expressividade dos atores, faz com que entremos num mundo sugerido, num mundo a ser explorado, num mundo que pode ser inaugurado e apreendido de muitas maneiras. Mais uma decisão acertada do grupo em não se acomodar em contar uma história de forma linear, além de manter evidente consonância com o universo inventivo da Alice.

Apenas no campo musical encontramos alguma dissonância em relação ao todo de Um, Dois, Três: Alice!. Bastante linear e renitente, a trilha sonora do espetáculo se torna, em alguns momentos, pesada em demasia e contrasta com a ludicidade e com o mundo feérico apresentado.

Os atores Denise da Luz, Jônata Gonçalves e Cidval Batista Jr., muito exigidos em suas interpretações, estão soltos em cena para o jogo. Em português, “atuar” se distanciou um pouco de “jogar”, mas em outras línguas, como o inglês o francês, a mesma palavra serve para as duas ações, que tem muito mais semelhanças do que diferenças. A noção de jogo, tão explorada por Jean-Pierre Ryngaert e tida por Denis Guénoun, sobre tudo no livro O teatro é necessário?, como o princípio primeiro da prática teatral está presente no trabalho do início ao fim.

Jogar-atuar são funções culturais que acompanham a humanidade desde sempre. Imaginação, invenção, mentira são extensões possíveis da ação de jogar-atuar. E o teatro, talvez seja a arte que tenha mais proximidade com essas ações, que as usa como matéria-prima, alimento mesmo de sua existência. Um, Dois, Três: Alice! é uma mergulho aberto, límpido nesse mundo amplo do jogo, o que demonstra que a Téspis fez uma leitura aprofundada dos textos de Carroll, que em primeira instância tem como questões centrais: a discussão sobre linguagem, a inauguração de mundos e a reinvenção da linguagem denotativa e saturada, com isso, a Téspis consegue com Um, Dois, Três: Alice! dar ao pequenos, e aos adultos, o direito ao jogo e à linguagem poética.

Um, Dois, Três: Alice! - foto SeCom Itajaí

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia e encenação: Max Reinert

Atuação: Denise da Luz, Jônata Gonçalves e Cidval Batista Jr.

Figurinos: Denise da Luz

Vídeos e animações: Leandro de Maman

Operação Técnica: Guilherme Raphael Caldeira

Cenotecnia: Fer-Forge

Assessoria de Imprensa: Jônata Gonçalves

Fotografia: Fernanda de Freitas Pereira

Crítica: Apto 401

Apto 401 - foto Marcos Porto

APTO 401 – A RECUSA AO CONVITE
por Marco Vasques

Na sinopse do espetáculo Apto 401, encontramos os seguintes dizeres: “haverá chapeuzinhos, bolo, bebidas, língua de sogra... Ela assoprará as velas. Venha, você é a convidada. Venha, você é o convidado.” E é justamente aqui que cabe a primeira reflexão sobre o espetáculo, pois ele propõe um convite ao espectador, se propõe como um ato de compartilhamento, no entanto, é construído de forma a ignorar completamente os participantes. Torna-se uma recusa ao convite. Convida-nos, mas não nos faz entrar e participar da festa.

Antes de todo o público entrar no teatro, uma integrante do grupo pede que entrem apenas cinco mulheres, que serão as amigas da atriz Valéria de Oliveira, adentrem por primeiro. Logo após as amigas, sete homens serão convidados a entrar, serão os ex-maridos. Somente após esse ritual o público remanescente é autorizado e convidado a se aconchegar. No entanto, esse ritual se torna inócuo e não revela nenhuma consequência no decorrer do trabalho, já que ex-maridos e amigas terão uma participação tão passiva diante do trabalho quanto o restante do público.

Nas cadeiras: brigadeiros, chapeuzinhos e bebidas. Ao fundo vídeos evocando Medeia, Lady Macbeth e Ofélia. Valéria de Oliveira nos recebe dormindo. Sim, ela nos chama para a sua festa, com promessas de compartilhamento, e nos recebe dormindo. Isso não seria necessariamente um problema caso se conectasse dramatúrgica e metaforicamente com o seu suicídio ao final do espetáculo. Mas isso também não acontece. Talvez fosse um registro irônico, mas a ironia pressupõe contexto e alguma abertura no sentido da mensagem. Não foi o caso apresentado.

Há a evocação de uma Medeia, que mata os filhos para se vingar de seu marido Jasão; de Lady Macbeth, que trama com o seu cunhado o assassinato de seu marido no que poderíamos chamar, metaforicamente, de um golpe de estado; e de Ofélia, a filha de Apolônio, que é encontrada morta num rio ao descobrir as inconstâncias do amor e da vida. Porém a evocação dessas mulheres e seus mundos não atravessam o espetáculo, não dialogam e não se conectam com a ação em curso em Apto 401.

Apto 401 - foto Marcos Porto

Osmar Domingos, que assina a direção, não consegue estabelecer uma organização na infinidade de elementos que se apresentam, que vão desde as referências já citadas ao universo da música romantic-pop. Há muitos desencontros na estética proposta, por exemplo, o trabalho reclama para si um ar de performatividade, mas estaciona suas partituras no ato representacional e cenários, por exemplo, no registro realista.

A atriz Valéria de Oliveira, há 13 anos à frente do Grupo Porto Cênico, em seu primeiro solo da carreira decide por não arriscar as potencialidades e se apresenta tímida em sua atuação. É preciso que ela encontre a força expressiva de sua arte, de sua personagem e traga isso a público. Apto 401 sugere, em alguns momentos, que a discussão em questão, que a inquietação do grupo é sobre a condição da mulher e os abusos a ela impostos por uma sociedade machista e dominadora.

Mas isso fica como mera sugestão em duas cenas: uma em que Valéria de Oliveira dobra meias e cuecas de seus ex-maridos. Único momento em que o espetáculo propõe algum jogo com o sete homens selecionados no início e na cena em que ela quase usa, mas de forma incipiente e sem jogo, as suas amigas como coro ao relatar que em sua vida há a representação de todas as suicidas, todas as mulheres que atiram suas cabeças ao gás do fogão, todas as mulheres que cortam seus pulsos, todas as mulheres que morrem de overdoses de remédios, enfim, nesse momento aparecem pistas por onde o espetáculo pretende caminhar.

Mas são apenas pistas, frouxas, sem domínio interpretativo, sem uma direção consciente de seu papel, sem algo que estabeleça relações com as infindáveis referências trazidas gratuitamente ao palco e, sobretudo, sem o convite prometido ao público, que sai do espetáculo da mesma maneira que entrou, ou seja, com impressão de que não foi ao teatro, porque tudo lhe é alheio.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Osmar Domingos e Valéria de Oliveira

Direção, cenografia, iluminação: Osmar Domingos

Atuação, figurinos, adereços: Valéria de Oliveira

Canção original: Aline Barth

Comunicação: Karoline Gonçalves

Fotografia: Ana Beatriz de Oliveira

Apto 401 - foto Marcos Porto

MOMO: ALTERAÇÃO DE HORÁRIO! ⚠⚠⚠

ALTERAÇÃO DE HORÁRIO! ⚠⚠⚠ 

O espetáculo "Momo - para Gilda com Ardor" teve modificação no seu horário! 

O espetáculo está programado para iniciar às 21h no Teatro Municipal de Itajaí! 

Sinopse: Em seu primeiro trabalho solo, Ricardo Nolasco se apresenta como o artista híbrido que é (da performance, situacionista, poeta, artista de cabaré e do teatro experimental). Através do estudo da obra de Alejandro Jodorowsky, o processo remapeia a cidade de Curitiba na busca por Gilda (travesti mendiga famosa nas ruas do centro de Curitiba nos anos 70, morta em 1983) buscando construir uma nova possibilidade para o real através da ficção. Pés marcados no cimento quase duro de uma política de revitalização. No corpo do performer entrelaçam-se mitologias, memórias, percursos, vidas, acontecimentos. E um recipiente alquímico - encruzilhada - lápide sacrificial. Carta manifesto psicomagia rito jocoso carregada de sarcasmo e ironia. Um espetáculo bufo. Uma tragédia pós pré - dramática. Uma opereta work in progress xamã. Ditirambo. Peça a fantasia. Vida vagabunda, destino vadio, carne de carnaval. Gilda é puro Jazz! 

Classificação Indicativa: 18 anos 

Duração: 60min

Crítica: Berlim - dois corpos à procura

Berlim - foto Marcos Porto

BERLIM – TODAS AS CIDADES, A CIDADE.

por Marco Vasques

“Os tempos ditatoriais estão em voga de novo”. “Estamos retrocedendo ao passado”. “Fascismo avançando novamente”. Essas são algumas das frases mais ouvidas por agora, não apenas no Brasil, mas praticamente em todo o Ocidente. Nessas frases, e em outras do mesmo tom, parece haver uma perda de liberdade para o obscuro, para a censura e a violência daqueles que odeiam qualquer diversidade. No entanto, há grupos em que essa provável liberdade perdida nunca existiu, esse “retorno do fascismo” não faz sentido porque o fascismo sempre esteve em suas vidas, nunca foi uma ausência. Entre esses grupos estão as travestis, os homossexuais e transexuais.

Eles-elas sempre existiram em qualquer sociedade, em algumas até são cultuadas. Mas na nossa sociedade, civilizada, desenvolvida, capitalista, tecnológica esse grupo é jogado à margem, aos esgotos, às madrugadas, à pista. Sempre houve pouca luz sobre eles-elas: são violentadas, abandonados, largadas, mortos. Não as vemos, porque desumanizados: nós, os cegos violentos; eles-elas as vítimas. Uma minoria consegue escapar do destino, consegue a inserção na “naturalidade” da vida cotidiana e diurna, a maioria ainda permanece à mercê de qualquer sorte trágica. A luta é grande, contínua, prenhe de derrotas, mas também grávida de vitórias.

Berlim: dois corpos à procura, apresentado durante o 5º Festival Nacional de Teatro Toni Cunha, no Teatro do SESC, pode ser considerada uma dessas vitórias. Os atores Leandro Cardoso e Mauro Filho usam de suas experiências, de suas vivências para universalizar o esgotamento de uma sociedade que insiste em não se olhar no espelho, o esfacelamento de um mundo que prefere como residência a hipocrisia, a violência em suas mais variadas cores. Sim, o ponto de partida de Berlim é o espancamento diário sofrido por pessoas que têm uma orientação sexual que desafia a normatividade, mas o espetáculo se amplia de tal maneira, que fala e denuncia toda espécie de achatamento do humano.

Berlim - foto Marcos Porto

E o que é Berlim? É a defesa do direito ao corpo para fora da pancadaria, para fora da possibilidade do soco. A defesa do corpo para dentro da possibilidade da vivência individual e coletiva. É a não aceitação da força, da castração, do apagamento e da invisibilidade imposta pela normatividade embrutecida. É luta para não se perder o direito à corporeidade. É investigação da vida e suas potencialidades. É a nossa crueldade em fratura exposta. Berlim fala sobre ter muitas direções, muitos lugares e moradas. A luta se estabelece pelo hoje, pelo agora e, também, pelo amanhã. Apresenta a dança de nossas crueldades e danações.

E o que se quer em Berlim? Arte, vida livre, direito à liberdade e o desejo de um mundo mais equivalente. No entanto, o espetáculo não se ancora no discurso, na palavra para gritar. Com mergulho aprofundado e consistente na performatividade, na dança e no teatro é na coreografia dos corpos que se centra a força expressiva do trabalho. A luta corpórea que toca os embrutecimentos, mas também o que temos de mais terno.

Nada se apresenta em excesso. A música, a iluminação, a palavra, os gestos são dosados por uma dramaturgia que leva em consideração o peso de cada elemento para o todo. Se, como dissemos no início, uma onda conservadora se avoluma sobre nós é preciso entender que em outras épocas essa mesma onda nos assolava em silêncio. E mais: exigia que as vozes contrárias aos seus extermínios não contestasse. A arte como um todo sofre ataques faz tempo, muito tempo. O teatro, que é uma arte social por excelência, tem dado respostas à vigilância dominante. Pela sua capacidade de abrir novos lugares no homem e na cidade, há quem não suporte e resista ao ver as suas estabilidades, as suas seguranças, os seus privilégios e as suas visões serem confrontados diretamente. Berlim é uma dessa vozes necessárias ao seu tempo, ao seu homem e a nossas cidades.

Berlim - foto Marcos Porto

FICHA TÉCNICA

Atuação: Leandro Cardoso e Mauro Filho

Direção de cena e técnica: Pietra Garcia

Coreografia e textos: Mauro Filho

Trilha sonora original sugerida: Karma Cia. de Teatro

Ambientação sonora e remix: Hedra Rockenbach

Cenotécnica: Ronaldo Rocha

Figurinos: Leandro Cardoso e Pietra Garcia

Costuras: Lélia Machado de Melo

Fotografia: Denis Natan

Design gráfico: Thiago França

Assessoria de Imprensa: Pietra Garcia

Último fim de semana do Festival de Teatro com programação imperdível

O Dragão de Fogo - foto Marcos Porto

Evento encerra no domingo com espetáculo na Beira-rio

Desde domingo (22), todos os dias Itajaí recebe apresentações de peças teatrais de grupos locais e de fora, além de rodas de conversas e oficinas. Tudo isso faz parte da programação do 5º do Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha que encerra neste fim de semana (29).

Segundo o Superintendente da Fundação Cultural, Normélio Pedro Weber, o Festival tem contribuído com a formação de novos públicos para as artes cênicas. Com uma programação que reúne os melhores espetáculos nos âmbitos local e nacional, as apresentações estimulam o consumo de arte. "A qualidade do espetáculo é fundamental para a formação de plateia, serve como estimulante", reflete.

Os atores, atrizes e grupos da cidade também são beneficiados com o Festival. Eles têm a oportunidade de experimentar novas modalidades, técnicas e linguagens de fazer teatro com as atividades propostas por grupos convidados. O intercâmbio cultural auxilia na formação profissional de cada um deles.

"Outro fator importante é que os grupos visitantes levarão para suas cidades de origem as características dos grupos de Itajaí. Isso faz com que as nossas companhias também ganhem visibilidade e tenham a oportunidade de participar de circuitos com seus espetáculos", destaca Normélio ao defender ainda que isso qualifica a cena teatral da cidade.

Após uma longa semana que intercalou espetáculos locais e nacionais, neste fim semana o público poderá acompanhar peças de três estados diferentes. O festival encerra da mesma forma que começou, com teatro de rua. O grupo Teatro de Mamulengo do Mestre Valdeck de Garanhuns (SP), leva para a Praça Genésio Miranda Lins (Beira-rio), o espetáculo "Simão e o Boi Pintadinho", que promete fechar o evento com clima de festa.

"Temos a certeza de que realizamos mais um Festival de sucesso, que voltou a crescer e ganhar importância e certamente servirá de alavanca para os próximos " comenta o superintendente.

O 5º Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha é um realizado por meio do Programa Nacional de Apoio à Cultura (Pronac / Lei Rouanet), com patrocínio de Lojas Havan, Brasfrigo S.A., Banco do Brasil e Bompack.

PROGRAMAÇÃO FIM DE SEMANA

Dia 28/10 (sábado) - 11h

Roda de Conversas: Diálogos sobre a Cena

Sinopse: Com a presença de Toninho do Valle e Marco Vasques, este será um espaço para trocar impressões sobre os espetáculos assistidos durante o festival, com ênfase na produção local. Mais do que um espaço de avaliação, é um momento para exercitar o olhar sobre o fazer teatral, seus caminhos e conceitos. Um momento de encontro aberto aos artistas, estudantes de teatro e também para o público interessado em saber mais sobre os modos de produção no teatro. Espetáculos locais do dia: Um, Dois, Três: Alice! (Téspis Cia. de Teatro) e Dois Amores e Um Bicho (Cia. Experimentus)

Local: Casa da Cultura Dide Brandão

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 60 min

Observações: Espaço indicado para estudantes de artes, atores e interessados em processos criativos.

Valor: GRATUITO

Dia 28/10 (sábado) - 15h

Mostra Nacional

Espetáculo: O Gigante Egoísta

Artesanal Cia. de Teatro (Rio de Janeiro – RJ)

Sinopse: Depois de passar sete anos na casa de seu amigo Ogro, o Gigante descobre que crianças invadiram seu palacete para brincar em seu jardim. Ele expulsa as crianças de sua propriedade e constrói um muro que a separa do resto da cidade. Isolado e sozinho, o Gigante percebe que o inverno hospedou-se definitivamente em sua casa e que a primavera recusa-se a voltar ao seu jardim, agora eternamente coberto pelo gelo e pela neve. Porém achegada de um menino que resolve brincar no jardim, apesar da sua proibição, traz de volta a primavera e faz com que o Gigante reconheça o quanto tinha sido egoísta.

Local: Teatro Municipal de Itajaí

Classificação Indicativa: Livre - recomendado a partir de 5 anos

Duração: 50 min

Valor: R$ 20 inteira e R$ 10 meia

Dia 28/10 (sábado) - 19h e 21h

Mostra Nacional

Espetáculo: Kiwi

Projeto Grande Elenco (São Paulo – SP)

Sinopse: KIWI acontece em meio ao processo de reurbanização imposta aos moradores de uma cidade para a realização dos Jogos Olímpicos. Uma garota, abandonada por sua família após o desalojamento. Nas ruas ela conhece a Família Verde: uma turma de crianças e adolescentes que assumem nomes de frutas e legumes. Eles acolhem a novata, desde que ela respeite suas regras: esquecer seu antigo nome e colaborar para subsistência do grupo por todos os meios. Apenas uma coisa é proibida: matar. Batizada de Kiwi, ela precisará aprender a viver na selva urbana. Como sobreviver à fome, ao frio, às doenças e às drogas? A resposta vem através da assistência mútua dentro do clã e, especialmente, da proteção de seu companheiro Lichia. Eles brincam com jogos de faz-de-conta impossíveis, admiram os pássaros brancos que voam no céu e sonham com o lar que a comunidade pretende comprar.

Local: SESC Itajaí

Classificação Indicativa: 12 anos

Duração: 60 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Dia 28/10 (sábado) - 20h

Mostra Nacional

Espetáculo: Momo - para Gilda com Ardor

O Estábulo de Luxo e Selvática Ações Artísticas (Curitiba – PR)

Sinopse: Em seu primeiro trabalho solo, Ricardo Nolasco se apresenta como o artista híbrido que é (da performance, situacionista, poeta, artista de cabaré e do teatro experimental). Através do estudo da obra de Alejandro Jodorowsky, o processo remapeia a cidade de Curitiba na busca por Gilda (travesti mendiga famosa nas ruas do centro de Curitiba nos anos 70, morta em 1983) buscando construir uma nova possibilidade para o real através da ficção. Pés marcados no cimento quase duro de uma política de revitalização. No corpo do performer entrelaçam-se mitologias, memórias, percursos, vidas, acontecimentos. E um recipiente alquímico - encruzilhada - lápide sacrificial. Carta manifesto psicomagia rito jocoso carregada de sarcasmo e ironia. Um espetáculo bufo. Uma tragédia pós pré - dramática. Uma opereta work in progress xamã. Ditirambo. Peça a fantasia. Vida vagabunda, destino vadio, carne de carnaval. Gilda é puro Jazz!

Local: Teatro Municipal de Itajaí

Classificação Indicativa: 18 anos

Duração: 60 min

Valor: R$ 20 inteira e R$ 10 meia

Dia 29/10 (domingo) - 17h

Espetáculo Convidado de Encerramento

Espetáculo: Simão e o Boi Pintadinho

Teatro de Mamulengo do Mestre Valdeck de Garanhuns (Guararema – SP)

Sinopse: Seu Vicente Pompeu vai realizar uma grande festa para comemorar o casamento de sua filha e entrega toda produção para Simão e Marieta que são seus afilhados e administradores da fazenda. A festa deve ser bem popular, com culinária e atrações artísticas que agradem toda comunidade. Aparecem uns intrusos querendo mudar tudo e Simão tem que fazer muitas peripécias para que a festa seja realizada.

Local: Praça Genésio Miranda Lins - Beira Rio

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 60 min

Valor: GRATUITO

Crítica: Estapafúrdio

Estapafúrdio - foto: Marcos Porto

ESTAPAFÚRDIO – PENSAR O RISO É PENSAR O TEATRO 

por Marco Vasques

“A vida humana é sinistra e sempre desprovida de sentido; basta um palhaço para lhe ser fatal”. Essa é uma das frases certeiras de Nietzsche, em Assim falou Zaratrusta. Palhaços, bufões, clowns e bobos têm longa história. A forma como os conhecemos hoje, com suas roupas exageradas, suas máscaras, seus narizes vermelhos, descendem das personagens demoníacas do teatro medieval, no entanto, já transitavam em tempos gregos e romanos – apenas para ficarmos em duas culturas mais conhecidas do ocidente.

Os palhaços, além de serem fatais para o trágico da vida sem sentido, sempre foram vozes à margem, nas fronteiras do deboche, da loucura, da idiotia, talvez por isso quanto mais populares, mais desprezados por uma certa elite intelectual fazedora de cânones. Propp, o pensador russo, é assertivo ao dizer que “o desprezo pelos bufões, pelos atores do teatro de feira, pelos clowns e os palhaços e, em geral, por qualquer tipo de alegria desenfreada é o desprezo pelas fontes e pelas formas populares de riso.”

Apesar disso, a palhaçaria sobrevive. Articula-se abaixo e afora dos padrões, estabelece-se cada vez mais como uma das grandes vertentes do teatro: sobretudo porque livre, direta, prenhe daquela vontade de fazer rir pelo ridículo, pela exposição contumaz do não sentido da vida. A palhaçaria como signo da infância, do divertimento, da leveza mas ao mesmo tempo como espaço para a agudeza, a crueza, a força derruidora do humor: características sumamente humanas. Talvez nenhuma outra arte tenha conseguido mesclar tanto os dois sentidos de humor. Todos os grandes clowns, bufões e afins carregam, por trás da alegria, do riso, do gesto engraçado, àquele outro significado de humor, a saber: a melancolia, ou seja, são fatais para a vida desprovida de sentido. Henri Begson, outro filósofo que se dedicou ao riso, por saber que ele possui uma dinâmica, por entender que ele é passível de domínio, afirma que “O riso é a mecânica aplicada no ser vivo”. Então, do domínio artístico da mecânica do riso ao desprezo e ao preconceito característicos, e ainda vigentes, contra qualquer manifestação artística “não séria”, “não aprofundada”, existe um lugar em que não podemos cair, em que não devemos mergulhar.

Estapafúrdio - foto: Marcos Porto

Esse lugar é o de não se fazer um equilíbrio entre a linguagem artística que a palhaçaria exige, de não se preocupar com a construção do riso e suas amplitudes como arte. Se faz necessário fugir desse lugar, porque ele pode reafirmar o discurso comum e aterrador de que qualquer um pode ser palhaço e de que se trata, efetivamente, de arte menor e passível de ser exercida de forma natural, sem pesquisa artística e experimentação de suas linguagens. O espetáculo Estapafúrdio, do palhaço Pacacoenco, não consegue fazer essa travessia necessária e se equilibrar em suas proposições. Não que falte esforço a Charles Augusto. O artista chega a insinuar uma ternura-terror ao início da apresentação, quando vai apresentando pessoas desconhecidas a pessoas desconhecidas na rua, no entanto, na medida em que a atuação avança as limitações do trabalho vão se agigantando e o jogo proposto se mostra ineficaz.

Estapafúrdio abandona o pensamento sobre o riso porque não se pensa como jogo, como teatro. O público se nega a participar do evento, se mostra incrédulo. Para que um palhaço atinja sua força primeira se faz necessário que ele conquiste seu público, que faça seu público acreditar que está diante de um ser que tudo pode fazer, que com tudo pode brincar.

Uma vez dominado seu campo, o palhaço pode mergulhar num copo de água, pode fazer uma cadeira parecer um prédio de muitos andares, pode também, fazer o público mergulhar com ele num simples copo de água e sair banhado de espanto, de ternura, de tristeza e de beleza.

Isso não ocorre com Estapafúrdio. O espetáculo tem a direção de Marcio Libar, autor do livro “Nobre Arte do Palhaço”. O que resulta em questionamentos ainda maiores: como Marcio Libar não problematizou as fragilidades existentes no trabalho? Qual foi a interferência real que ele fez na composição das cenas e roteiro de Estapafúrdio? Como o desprezo pela arte da palhaçaria pode ocorrer por quem a vive e a ama? Charles Augusto precisa encontrar sua arte e seu palhaço para, depois, nos apresentar sua arte. Sem mergulhar nela, o mergulho e o sonho propostos pelo espetáculo se tornam ineficazes.

Estapafúrdio - foto: Marcos Porto

FICHA TÉCNICA

Atuação e criação: Charles Augusto

Direção: Marcio Libar

Direção de arte: Silvana Rocha

Costura: Vera Lúcia Farias e Maria Isolete

Sonoplastia: Charles Augusto

Arte gráfica: Euclydes da Cunha Neto

Festival Toni Cunha tem histórias nos palcos e nos bastidores

Dois Amores e Um Bicho - foto Marcos Porto

Fazer teatro é compartilhar histórias e o Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha tem muitas para contar. Recém chegada a Itajaí, Andréa Almeida Rosa veio de Curitiba na época em que acontecia o primeiro Festival. Justamente naquele ano, ela havia tomado a decisão de largar a carreira de atriz. Ao se deparar com a grandiosidade do evento, repensou sua decisão.

"Fui completamente surpreendida com um Festival tão grande e completo numa cidade pequena. Fiquei feliz de participar como expectadora de um momento tão bacana no município, isso serviu de estímulo para minha carreira de atriz", revela Andrea.

Esse é apenas um exemplo de como o teatro pode servir de instrumento de transformação para a comunidade. Segundo Max Reinert, dramaturgo e representante da Câmara Setorial de Teatro de Itajaí, a diversidade de linguagens e de formatos também faz com que o Festival Toni Cunha se espalhe pela cidade e conquiste novos públicos. “Teatro e Itajaí formam uma combinação perfeita”, destaca.

Agora com a sólida carreira de atriz, Andrea não é mais simplesmente aquela espectadora do primeiro Festival, mas parte ativa desta quinta edição. Nesta sexta-feira (27), ela apresenta o espetáculo “Dois Amores e Um Bicho - versão nº 2” na Itajaí Criativa - residência artística, às 21h. O texto foi escrito há mais de 10 anos, mas a atriz defende que a interpretação dele é mais urgente nos dias atuais que na época de sua criação.

"O espetáculo abre reflexão sobre intolerância, banalização da violência, questão de gênero e outros temas que nos dias atuais mais do que nunca precisam ser debatidos", comenta.

O Festival de Teatro segue até domingo (29). Aproveite os últimos dias para prestigiar a programação do evento que é referência nacional. Todos os espetáculos fora do Teatro Municipal são gratuitos.

O Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha é bianual e faz parte do Programa Nacional de Apoio à Cultura (Pronac / Lei Rouanet), com patrocínio de Lojas Havan, Brasfrigo S.A., Banco do Brasil e Bompack.

PROGRAMAÇÃO SEXTA-FEIRA

Dia 27/10 (sexta) - 11h

Roda de Conversas: Diálogos sobre a Cena

Sinopse: Com a presença de Toninho do Valle e Marco Vasques, este será um espaço para trocar impressões sobre os espetáculos assistidos durante o festival, com ênfase na produção local. Mais do que um espaço de avaliação, é um momento para exercitar o olhar sobre o fazer teatral, seus caminhos e conceitos. Um momento de encontro aberto aos artistas, estudantes de teatro e também para o público interessado em saber mais sobre os modos de produção no teatro.

Espetáculos locais do dia: Estapafúrdio (Charles Augusto), Apto 401 (Grupo Porto Cênico) e Berlim (Karma Cia. de Teatro)

Local: Casa da Cultura Dide Brandão

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 60 min

Observações: Espaço indicado para estudantes de artes, atores e interessados em processos criativos.

Valor: GRATUITO

Dia 27/10 (sexta) - 15h

Mostra Local

Espetáculo: Um, Dois, Três: Alice!

Téspis Cia. de Teatro (Itajaí – SC)

Sinopse: Livremente inspirado em "Alice no País das Maravilhas" e "Alice Através do Espelho" de Lewis Carroll, esta montagem explora a ludicidade tanto no jogo corporal dos atores como no uso de objetos em cena. Para contar a aventura de Alice que mergulha em um mundo cheio de enigmas e fantasias lança mão de diversos elementos, como: cenários que se movem e se transformam em diversos ambientes, objetos de brinquedo que ajudam a compor os personagens e a utilização de projeção de vídeos. O Coelho Apressado, A Rainha de Copas, A Duquesa, A Lagarta, O Chapeleiro Maluco, Os Animais da Floresta, As Cartas de Baralho e Alice, encontram-se novamente para recontar essa história que tem mais de 150 anos, mas não deixa de encantar crianças e adultos.

Local: SESC Itajaí

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 45 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Dia 27/10 (sexta) - 20h

Mostra Nacional

Espetáculo: DADESORDEMQUENÃOANDASÓ

Cia. Arteira e Cia. Provisório Definitivo - São Paulo, SP

Sinopse: A peça narra a história de Stevie, um garoto portador da Síndrome de Asperger, que sofre com a ausência do seu pai e com a dificuldade de se relacionar com o mundo. Devido à falta do marido, Maureen, a mãe, trabalha em diversos lugares e não tem tempo para cuidar dos filhos. Stevie passa grande parte dos seus dias em casa, enquanto sua irmã, a adolescente Julie, faz tentativas desastradas de entrar no mundo adulto. Um dia, Julie resolve sair escondida, descumprindo o combinado com sua mãe. Preocupado com o paradeiro da irmã, Stevie decide procurá-la e acaba indo parar em um parque de diversões e, sem intenção, causa um grande acidente: ele acredita ter se tornado um assassino. A partir daí, inicia-se uma história permeada de encontros e desencontros que mistura ficção, realidade e poesia, na qual Stevie procura compreender, solitário, as consequências dessa intensa e transformadora travessia.

Local: Teatro Municipal de Itajaí

Classificação Indicativa: 14 anos

Duração: 75 min

Valor: R$ 20 inteira e R$ 10 meia

Dia 27/10 (sexta) - 21h

Mostra Local

Espetáculo: Dois Amores e Um Bicho - versão nº 2

Cia. Experimentus Teatrais (Itajaí – SC)

Sinopse: Uma bomba explode em uma escola, um pai de família mata seu cachorro a pontapés por considerá-lo homossexual, misteriosas mortes de animais em um jardim zoológico. Em seu habitat, a família Estefano está às voltas com estes acontecimentos brutais do passado e do presente. Em um jogo perverso, eles encenam e reencenam incidentes que melhor seria se ficassem esquecidos.

Local: Itajaí Criativa - residência artística

Classificação Indicativa: 14 anos

Duração: 75 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Crítica: Dois Amores e Um Bicho - versão nº2

Dois Amores e Um Bicho - foto Marcos Porto

DOIS AMORES E UM BICHO – A ALEGORIA DA CRUELDADE
por Marco Vasques

Fundada em 1999, a Cia. Experimentus é uma das companhias mais longevas de Itajaí. Já montou 15 espetáculos para crianças, jovens e adultos. Desde o começo vem participado de inúmeros festivais e mostras nacionais. Sua última montagem é o texto Dois Amores e Um Bicho, do venezuelano Gustavo Ott. Na verdade, trata-se de uma segunda montagem que o grupo empreende da mesma obra com outro recorte estético.

Ott, um dos mais proeminentes dramaturgos latino americanos, atua também como romancista, diretor teatral e jornalista. Desde a década de 1980 até agora, vem escrevendo e dirigindo inúmeros espetáculos, colecionando prêmios e sendo montado em diversos países. Com 54 anos, profícuo e incansável, Ott já tem mais de trinta obras que refletem sob diversos ângulos aspectos da vida cotidiana, sobretudo as violências, as censuras, as hipocrisias que praticamos e das quais somos vítimas também.

Dois Amores e Um Bicho - foto Marcos Porto

Com Dois Amores e Um Bicho não é diferente. A peça estreou em 2004, em Caracas, sob sua direção. Nesses últimos anos, a dramaturgia já foi encenado em Cuba, França e no Brasil. O texto trata dos fascismos cotidianos que nos atingem e que estão cada vez mais fortalecidos, mas, ao mesmo tempo, revela as profundas contradições e delicadezas de cada personagem.

Um orangotango preso num zoológico acusado de praticar sexo com outro orangotango. Um cachorro é assassinado por seu dono por ser considerado homossexual. Uma bomba que explode numa escola matando centenas de pessoas durante uma festa. Os animais de um zoológico são dizimados, aos poucos, misteriosamente. Uma imprensa faminta, uma polícia dúbia em suas ações e um conflito familiar velado que aos poucos vai revelando ao público suas instâncias de desejos e vontades não assumidas. O mundo alegórico criado por obras como A metamorfose, O rinoceronte, A revolução dos Bichos, ganha mais um espaço com esse Dois amores e um bicho, pois são muitas as questões contemporâneas a serem exploradas.

A montagem da Cia. Experimentus apresentada no espaço cultural Itajaí Criativa - residência artística, durante o 5º Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha, não se furta em tangenciar as sutilezas e as questões mais evidenciadas do texto. O primeiro mérito da montagem se encontra na direção, de Daniel Olivetto, que soube nuançar a ironia amarga proposta por Ott, manter a tensão exigida ao núcleo familiar e equilibrar os recursos cênicos escolhidos. Se a proposta do dramaturgo venezuelano é uma crítica ácida e aberta ao mundo contemporâneo ela também reserva muitas sutilezas por alegoria e o grupo joga com isso em muitos momentos, sejam com os vídeos selecionados para abrir e fechar cada quadro, seja na atmosfera propiciada pela iluminação, trilha sonora e atuação.

Em uma das cenas em que Pablo interpretado pelo ator Marcelo de Souza, e Karen, vivida pela atriz Sandra Konll, travam um diálogo no zoológico há a presença de uma criança em seu carrinho de bebê. A criança, em verdade, é simbolizada por uma zebra, o que dá a chave sutil de afirmar, de forma metafórica e alegórica, que sabemos de quais bichos estamos tratando, do bicho humano e suas animalidades e cruezas.

Sandra Knoll consegue fugir à estrutura linear de interpretação o que não ocorre com Andréa Rosa e Marcelo de Souza. A opção por uma linearidade interpretativa é nitidamente uma proposta do grupo, não necessariamente um problema, no entanto, os tensionamentos e as surpresas do trabalho se esvaziam um pouco, pois o público é jogado, de início, numa vibração e seguirá nela durante todo o espetáculo, o que se por um lado dialoga com os tempos esticados, duros, acirrados em que vivemos, causa, por outro lado, uma impressão de que os atores não dispõem de recursos para algumas variações rítmicas exigidas no trabalho.

Dois Amores e Um Bicho se apresenta como um caleidoscópio de sugestão, não incorre em apelos fáceis, em estampar a violência de maneira simples e vulgar. Oferece ao espectador a possibilidade de adentrar em vários universos, várias camadas e se constitui, inteligentemente, em uma obra aberta sem incorrer no perigo de cair na violência caricata e na vulgarização das relações.

Dois Amores e Um Bicho - foto Marcos Porto

FICHA TÉCNICA

Texto: Gustavo Ott

Tradução: Marialda Gonçalvez Pereira

Elenco: Andréa Rosa, Marcelo de Souza e Sandra Knoll

Direção: Daniel Olivetto

Edição de Som e Vídeo: Marcelo de Souza

Cenário, desenho de luz, trilha sonora e projeto gráfico: Daniel Olivetto

Figurinos: Cia. Experimentus

Operação técnica: Daniel Olivetto e Natália Pereira

Crítica: Pô!Ema

Pô!Ema - criação poética para crianças - foto Marcos Porto

Pô!EMA – QUANDO A "OUTRA VOZ" NÃO É OUVIDA

por Marco Vasques

Quando um espetáculo resulta no seu contrário, isto é, quando ele contradiz sua proposição política, ética e estética, pode-se assegurar que faltou pesquisa, laboratório, experimentação, investigação e, também, uma certa ausência de responsabilidade dos encenadores. Outra hipótese possível nesses casos é a de que o projeto de encenação se impõe maior que as possibilidades do grupo. Uma terceira via pode sugerir que o coletivo não tem clareza de seus propósitos, mas esse caso não se aplica aqui. Em ambos os casos iniciais, não há soluções fáceis. O negócio é enfrentar o problema, antes que ele possa ruir as estruturas pensadas e projetadas. Se construir um espetáculo a partir de poemas se mostra um desafio, imaginemos a complexidade de um espetáculo que se propõe a criar poemas com uma plateia em fase de alfabetização e, a partir daí, erguer a sua partitura dramatúrgica e de atuação.

PÔ!EMA, apresentado no teatro do SESC durante o 5º Festival Nacional de Teatro Toni Cunha, tem essa pretensão. Ocorre que a poesia é uma arte que não se faz com ideias, conforme sugestão do poeta francês Mallarmé. Poesia, para ele, se faz com palavras. Entrar no reino silente das palavras e de lá erguer ressonâncias, espinhos, solaridades é uma das tarefas do poeta.

Para Octavio Paz, em seu livro O Arco e a Lira, a poesia parece ser um mundo abarcador de tudo, um mundo salvador capaz de dar conta dos paradoxos, dos contrários, das efemérides e perenidades da vida, um mundo ilusoriamente completo, pois para cada definição de Paz reverberam infinitas definições não citadas, escondidas na impossibilidade de trazê-las à luz. Portanto, se o poético é aquilo que tem qualidade, atmosfera, encantos da poesia, ele também se instala numa infinitude de lugares. Qualquer tentativa de encaixotá-lo numa definição é resumir a sua amplitude. Mas é sempre preciso fazer um corte, escolher um caminho, perpetrar uma violência para estabelecer um fio condutor do que seja uma definição do poético.

O poético pode ser conceituado também como uma inquietação, uma fricção que provoca o sujeito a ponto de retirá-lo do eixo, da normalidade, algo que suspenda a sua estagnação, que o turbilhone e lhe diga: isso é estar vivo. Esta fricção, pode vir do belo artístico, assumindo aqui a concepção de Hegel em que o belo artístico é superior ao belo natural, pois trata-se de um produto do espírito humano, superior à natureza.

Assim, um vulcão, por exemplo, é um espetáculo de beleza incomparável, mas não é fruto do espírito, ou da criatividade humana, é um acontecimento que segue regras próprias da natureza. Já pintar, fotografar, poetizar, filmar esse vulcão, e principalmente, como ele afeta a atividade humana, traz o belo natural para dentro do corpo, o transforma em arte. O artista estabelece um olhar, um corte, um ângulo e, após a produção, repassa esse olhar ao espectador, leitor, consumidor da obra, que também o recorta, o angula, o expande em seu próprio corpo e se agiganta, ou se apequena diante do poético e de como ele lhe invade física e espiritualmente.

Por outro lado, o poético pode vir também da outra face do belo: o feio, o grotesco, a violência que pulsa a animalidade nem sempre tão perdida do homem. Nem sempre o sublime existe na acepção ligada ao encantamento, à leveza (vide Genet, Artaud, Koltès, Plínio Marcos). Ainda mais no mundo atual, onde muitos dos conceitos clássicos de beleza se perderam há muitas décadas, onde não há mais sentido, pois o sentido do mundo passou a ser o seu contínuo não-sentido. Um mundo em que os corpos são chagas abertas, em que há uma uniformização de “corpos de miséria, corpos famintos, corpos batidos, corpos prostituídos, corpos mutilados, corpos infectados, corpos inchados, corpos demasiado alimentados, demasiado body-builded, demasiado excitantes, demasiado orgásticos”, conforme sentencia o filósofo Jean-Luc Nancy. Essas são algumas das questões que aparecem quando adentramos no mundo da poesia, do poema, do poético.

Pô!Ema - criação poética para crianças - foto Marcos Porto

PÔ!EMA é estruturado numa dinâmica em que a atriz Sandra Coelho conduz o público de uma escrivaninha onde escreve seus poemas que são comidos por uma Ema, a atriz provoca o público infantil a ajudá-la a escrever para sustentar uma Ema e sua prole. O trabalho sugere que a personagem de Sandra Coelho seja uma escritora em crise no seu processo de criação, já que seus poemas são devorados pela Ema, que pode nesse caso simbolizar o momento de esvaziamento criativo pelo qual todo artista um dia passará. Mas a Ema poderia ganhar, também, outros contornos e funções que dinamizasse o diálogo que a atriz propõe com os pequenos. A questão a se colocar é que a noção de poesia apresentada por Sandra Coelho consiste numa linguagem que foge ao universo poético, que estrangula a possibilidade de poesia, porque se apresenta numa linguagem referencial, numa linguagem denotativa que se empobrece mais e mais porque não há nenhum chamamento do público para o universo lúdico, para brincar efetivamente com as palavras, para encontrar outros modos de dizer o mundo. O que impera em PÔ!EMA é a noção clichê de poesia bonitinha, de palavras que combinam pela rima atrelada a uma função da linguagem explicativa. O trabalho se propõe aberto, mas se apresenta fechado, encaixotado, não permitindo ao público infantil mais que uma relação passiva diante do acontecimento à sua frente.

Os corpos teatrais são muitos e suas investigações e potencialidades de linguagens também, mas é preciso mergulhar no reino da teatralidade antes de fazer o mergulho no espectador. É preciso investigar, experimentar, buscar uma voz - a “outra voz”, para usar uma expressão de Octávio Paz - e um norte, ainda que não totalmente explorado e delimitado, porque um artista de palco não deve negligenciar seu labor, sua luta com as palavras e com os corpos antes de provocar o encontro com seu público.

FICHA TÉCNICA

Criação original: Sandra Coelho e Leandro Maman

Atuação: Sandra Coelho

Design gráfico e de projeção: Leandro Maman

Trilha sonora: “As Meias de Ema” por Cirandela Teatro, letra de Eloí Bocheco

Pô!Ema - criação poética para crianças - foto Marcos Porto

Espetáculos gratuitos reforçam a democratização do Festival Toni Cunha

A 5ª edição do Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha está a todo vapor. Com espetáculos diários, oficinas e rodas de conversa, a maior parte da programação é gratuita. O evento da Fundação Cultural de Itajaí segue até domingo (29) com atividades para toda a família.

De acordo com Charles Henrique, o palhaço profissional mais conhecido de Itajaí, o Festival de Teatro mantém, desde sua primeira edição, o caráter de transbordar cultura na cidade. "O evento traz uma grande quantidade de manifestações artísticas na cidade e promove intercâmbio cultural de forma efetiva num curto tempo e espaço", relembra.

Espetáculos de rua e outros gratuitos são a maioria na programação do Festival. Dessa forma, qualquer pessoa pode ter acesso às atividades promovidas pelo evento. "Acessibilidade no teatro, assim como apresentações na rua, servem para interagir com a população sem discriminação e forma uma platéia democrática", comenta Charles que apresenta o espetáculo Estapafúrdio na quinta-feira (26) na Praça Arno Bauer às 15h.

Por decisão da Fundação Cultural de Itajaí, espetáculos realizados fora do Teatro Municipal têm distribuição gratuita de ingressos. Nesta quarta-feira (25), "Dois amores e Um Bicho - versão n° 2" é um espetáculo da Cia Experimentus de Itajaí, que poderá ser assistido na Itajaí Criativa - residência artística, por qualquer pessoa que retirar o ingresso a partir das 20h. A peça começa às 21h.

O Festival Brasileiro de Teatro Toni Cunha é bianual e faz parte do Programa Nacional de Apoio à Cultura (Pronac / Lei Rouanet), com patrocínio de Lojas Havan, Brasfrigo S.A., Banco do Brasil e Bompack. Ele segue com sua programação em andamento e você pode conferir a programação completa abaixo:

Dia 26/10 (quinta) - 15h

Mostra Local

Espetáculo: Estapafúrdio

Charles Augusto (Itajaí – SC)

Sinopse: Mambembear. Aí está a essência do artista. Levar sua arte a qualquer lugar onde alguém esteja disposto a apreciá-la. Pacacoenco, na companhia da sua amiga Jaguaruna, desbrava o interior da geografia mundial e do coração humano. As estradas são percorridas a pedaladas, e, na bagagem, o palhaço leva seus truques, sua casa e seu amor. Afinal, “... a poesia indica que as eras do universo passam e o homem que ama fica.” (Quirino)
Local: Praça Arno Bauer - ao lado do Museu Histórico

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 40 min

Valor: GRATUITO

Dia 26/10 (quinta) - 19h

Mostra Local 

Espetáculo: Apto 401

Grupo Porto Cênico (Itajaí – SC)

Sinopse: Festa de aniversário é um espetáculo em si mesmo, um evento-soluço no cotidiano. No “Apto 401” haverá chapeuzinhos, bolo, bebidas, língua de sogra... Ela assoprará as velas. Venha, você é a convidada. Venha, você é o convidado.

Local: SESC Itajaí

Classificação Indicativa: 16 anos

Duração: 50 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Dia 26/10 (quinta) - 20h

Mostra Nacional

Espetáculo: O Dragão de Fogo

SIM! Cultura (Campinas – SP)

Sinopse: Um menino desenhista enfrenta um dragão que, desperto de seu sono de séculos, ameaça destruir a sua aldeia. Ou: um garoto é sorteado entre todos os homens da aldeia para enfrentar uma terrível ameaça, preservando-se, assim, uma tradição: todos a qualquer momento têm de estar prontos. Isso é tudo.Mas não é só. Ou não é solitário: haverá ainda seus pais, o primeiro amor, a esperança de aldeães, um rato encontrado furtivamente na morada do perigo. Haverá sempre a possibilidade do desenho e aquilo que ele pode revelar: a coisa mais forte do mundo!

Local: Teatro Municipal de Itajaí

Classificação Indicativa: Livre para toda família

Duração: 60 min

Valor: R$ 20 inteira e R$ 10 meia

Dia 26/10 (quinta) - 21h

Mostra Local

Espetáculo: Berlim - dois corpos à procura

Karma Cia. de Teatro (Itajaí – SC)

Sinopse: Dois corpos à procura de um lugar. Na busca pela felicidade sufocada por entre muros, paredes que aprisionam ou ruas de Berlim. Dois corpos à procura de aceitação. Viver a tragédia diária de ser o que é. Falar, gritar. Fugir. Dois corpos desejados. Dois corpos desejantes. Chegar em Berlim e dançar o inevitável jeito de ser. O que você quer de Berlim?

Local: SESC Itajaí

Classificação Indicativa: 16 anos

Duração: 45 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Dia 27/10 (sexta) - 11h

Roda de Conversas: Diálogos sobre a Cena

Sinopse: Com a presença de Toninho do Valle e Marco Vasques, este será um espaço para trocar impressões sobre os espetáculos assistidos durante o festival, com ênfase na produção local. Mais do que um espaço de avaliação, é um momento para exercitar o olhar sobre o fazer teatral, seus caminhos e conceitos. Um momento de encontro aberto aos artistas, estudantes de teatro e também para o público interessado em saber mais sobre os modos de produção no teatro. Espetáculos locais do dia: Estapafúrdio (Charles Augusto), Apto 401 (Grupo Porto Cênico) e Berlim (Karma Cia. de Teatro)

Local: Casa da Cultura Dide Brandão

Classificação Indicativa: Livre Duração: 60 min

Observações: Espaço indicado para estudantes de artes, atores e interessados em processos criativos.

Valor: GRATUITO

Dia 27/10 (sexta) - 15h

Mostra Local

Espetáculo: Um, Dois, Três: Alice!

Téspis Cia. de Teatro (Itajaí – SC)

Sinopse: Livremente inspirado em "Alice no País das Maravilhas" e "Alice Através do Espelho" de Lewis Carroll, esta montagem explora a ludicidade tanto no jogo corporal dos atores como no uso de objetos em cena. Para contar a aventura de Alice que mergulha em um mundo cheio de enigmas e fantasias lança mão de diversos elementos, como: cenários que se movem e se transformam em diversos ambientes, objetos de brinquedo que ajudam a compor os personagens e a utilização de projeção de vídeos. O Coelho Apressado, A Rainha de Copas, A Duquesa, A Lagarta, O Chapeleiro Maluco, Os Animais da Floresta, As Cartas de Baralho e Alice, encontram-se novamente para recontar essa história que tem mais de 150 anos, mas não deixa de encantar crianças e adultos.

Local: SESC Itajaí

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 45 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Dia 27/10 (sexta) - 20h

Mostra Nacional

Espetáculo: DADESORDEMQUENÃOANDASÓ

Cia. Arteira e Cia. Provisório Definitivo - São Paulo, SP

Sinopse: A peça narra a história de Stevie, um garoto portador da Síndrome de Asperger, que sofre com a ausência do seu pai e com a dificuldade de se relacionar com o mundo. Devido à falta do marido, Maureen, a mãe, trabalha em diversos lugares e não tem tempo para cuidar dos filhos. Stevie passa grande parte dos seus dias em casa, enquanto sua irmã, a adolescente Julie, faz tentativas desastradas de entrar no mundo adulto. Um dia, Julie resolve sair escondida, descumprindo o combinado com sua mãe. Preocupado com o paradeiro da irmã, Stevie decide procurá-la e acaba indo parar em um parque de diversões e, sem intenção, causa um grande acidente: ele acredita ter se tornado um assassino. A partir daí, inicia-se uma história permeada de encontros e desencontros que mistura ficção, realidade e poesia, na qual Stevie procura compreender, solitário, as consequências dessa intensa e transformadora travessia.

Local: Teatro Municipal de Itajaí

Classificação Indicativa: 14 anos

Duração: 75 min

Valor: R$ 20 inteira e R$ 10 meia

Dia 27/10 (sexta) - 21h

Mostra Local

Espetáculo: Dois Amores e Um Bicho - versão nº 2

Cia. Experimentus Teatrais (Itajaí – SC)

Sinopse: Uma bomba explode em uma escola, um pai de família mata seu cachorro a pontapés por considerá-lo homossexual, misteriosas mortes de animais em um jardim zoológico. Em seu habitat, a família Estefano está às voltas com estes acontecimentos brutais do passado e do presente. Em um jogo perverso, eles encenam e reencenam incidentes que melhor seria se ficassem esquecidos.

Local: Itajaí Criativa Residência Artística

Classificação Indicativa: 14 anos

Duração: 75 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Dia 28/10 (sábado) - 11h

Roda de Conversas: Diálogos sobre a Cena

Sinopse: Com a presença de Toninho do Valle e Marco Vasques, este será um espaço para trocar impressões sobre os espetáculos assistidos durante o festival, com ênfase na produção local. Mais do que um espaço de avaliação, é um momento para exercitar o olhar sobre o fazer teatral, seus caminhos e conceitos. Um momento de encontro aberto aos artistas, estudantes de teatro e também para o público interessado em saber mais sobre os modos de produção no teatro. Espetáculos locais do dia: Um, Dois, Três: Alice! (Téspis Cia. de Teatro) e Dois Amores e Um Bicho (Cia. Experimentus)

Local: Casa da Cultura Dide Brandão

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 60 min

Observações: Espaço indicado para estudantes de artes, atores e interessados em processos criativos.

Valor: GRATUITO

Dia 28/10 (sábado) - 15h

Mostra Nacional

Espetáculo: O Gigante Egoísta

Artesanal Cia. de Teatro (Rio de Janeiro – RJ)

Sinopse: Depois de passar sete anos na casa de seu amigo Ogro, o Gigante descobre que crianças invadiram seu palacete para brincar em seu jardim. Ele expulsa as crianças de sua propriedade e constrói um muro que a separa do resto da cidade. Isolado e sozinho, o Gigante percebe que o inverno hospedou-se definitivamente em sua casa e que a primavera recusa-se a voltar ao seu jardim, agora eternamente coberto pelo gelo e pela neve. Porém achegada de um menino que resolve brincar no jardim, apesar da sua proibição, traz de volta a primavera e faz com que o Gigante reconheça o quanto tinha sido egoísta.

Local: Teatro Municipal de Itajaí

Classificação Indicativa: Livre - recomendado a partir de 5 anos

Duração: 50 min

Valor: R$ 20 inteira e R$ 10 meia

Dia 28/10 (sábado) - 19h e 21h

Mostra Nacional

Espetáculo: Kiwi

Projeto Grande Elenco (São Paulo – SP)

Sinopse: KIWI acontece em meio ao processo de reurbanização imposta aos moradores de uma cidade para a realização dos Jogos Olímpicos. Uma garota, abandonada por sua família após o desalojamento. Nas ruas ela conhece a Família Verde: uma turma de crianças e adolescentes que assumem nomes de frutas e legumes. Eles acolhem a novata, desde que ela respeite suas regras: esquecer seu antigo nome e colaborar para subsistência do grupo por todos os meios. Apenas uma coisa é proibida: matar. Batizada de Kiwi, ela precisará aprender a viver na selva urbana. Como sobreviver à fome, ao frio, às doenças e às drogas? A resposta vem através da assistência mútua dentro do clã e, especialmente, da proteção de seu companheiro Lichia. Eles brincam com jogos de faz-de-conta impossíveis, admiram os pássaros brancos que voam no céu e sonham com o lar que a comunidade pretende comprar.

Local: SESC Itajaí

Classificação Indicativa: 12 anos

Duração: 60 min

Valor: GRATUITO - retirar ingresso uma hora antes

Dia 28/10 (sábado) - 20h

Mostra Nacional

Espetáculo: Momo - para Gilda com Ardor

O Estábulo de Luxo e Selvática Ações Artísticas (Curitiba – PR)

Sinopse: Em seu primeiro trabalho solo, Ricardo Nolasco se apresenta como o artista híbrido que é (da performance, situacionista, poeta, artista de cabaré e do teatro experimental). Através do estudo da obra de Alejandro Jodorowsky, o processo remapeia a cidade de Curitiba na busca por Gilda (travesti mendiga famosa nas ruas do centro de Curitiba nos anos 70, morta em 1983) buscando construir uma nova possibilidade para o real através da ficção. Pés marcados no cimento quase duro de uma política de revitalização. No corpo do performer entrelaçam-se mitologias, memórias, percursos, vidas, acontecimentos. E um recipiente alquímico - encruzilhada - lápide sacrificial. Carta manifesto psicomagia rito jocoso carregada de sarcasmo e ironia. Um espetáculo bufo. Uma tragédia pós pré - dramática. Uma opereta work in progress xamã. Ditirambo. Peça a fantasia. Vida vagabunda, destino vadio, carne de carnaval. Gilda é puro Jazz!

Local: Teatro Municipal de Itajaí

Classificação Indicativa: 18 anos

Duração: 60 min

Valor: R$ 20 inteira e R$ 10 meia

Dia 29/10 (domingo) - 17h

Mostra Nacional

Espetáculo: Simão e o Boi Pintadinho

Teatro de Mamulengo do Mestre Valdeck de Garanhuns (Guararema – SP)

Sinopse: Seu Vicente Pompeu vai realizar uma grande festa para comemorar o casamento de sua filha e entrega toda produção para Simão e Marieta que são seus afilhados e administradores da fazenda. A festa deve ser bem popular, com culinária e atrações artísticas que agradem toda comunidade. Aparecem uns intrusos querendo mudar tudo e Simão tem que fazer muitas peripécias para que a festa seja realizada.

Local: Praça Genésio Miranda Lins - Beira Rio

Classificação Indicativa: Livre

Duração: 60 min

Valor: GRATUITO